Exposición Lina Bo Bardi.

24/11/18

Tupí or not tupí- Lina Bo Bardi.

Fundación Juan March.

El nombre de la exposición alude a la famosa cita de Hamlet "To be or not to be" pero le da el nombre de una tribu brasileña de la que se enamoró, debido a su naturalidad y esa vida rural que llevaban.

Conoció esta tribu al mudarse a Brasil, país del que se enamoró, debido a su jungla y a su cultura, y país en el que morirá.

La exposición nos muestra cosas que diseñó durante toda su vida en Brasil, tocando todas las facetas del diseño: diseño de moda, mobiliario, joyería.. Además, se nos muestran también obras de otros artistas que se han inspirado en ella.

Ella era amante de las vacas, y una de sus obras más importantes es el diseño de una vaca mecánica construido por mujeres de una escuela española. 

También podemos ver el diseño de la silla "Bardi´s Bowl Chair", una silla redonda donde debías sentarte con las piernas colgando, algo considerado inapropiado para los modales de una mujer, pero Lina era muy despreocupada y no le gustaban los convencionalismos.

Entre sus obras, también destacan las fotografías de su casa, la cual diseñó ella. Y la zona más infantil de la exposición, un espacio donde se han recreado varios animales diseñados por ella (le encantaba diseñar animales) y entre los que destaca un cerdo rosa de dos culos.

Desgraciadamente no se permitía hacer fotos, por lo que he utilizado las fotografías del folleto que nos daban.

OPINIÓN PERSONAL:

Personalmente no es una de mis favoritas. Ya he comentado anteriormente que me gustan las obras que me hagan reflexionar. Pararme a pensar realmente las cosas que me está contando la obra. Y está concretamente, no es una de ellas.

Aun así, me parece muy interesante cómo se ve reflejada en sus diseños su personalidad. Por ejemplo, su despreocupación por los modales, diseñando una silla en la que la postura no es exactamente la correcta, o su amor por las tribus brasileñas, que se ve reflejado perfectamente en esa casa en medio de la naturaleza.

Exposición Palacio de Cristal.

25/11/18

INVISIBLES

JAUME PLENSA

Esta exposición se presenta en el museo Reina Sofía, pues es el museo que la organiza. Sin embargo, la exposición está físicamente en el Palacio de Cristal del Retiro.

Jaume Plensa nos presenta tres cabezas realizadas con una trama metálica, que están colgadas dentro del luminoso Palacio de Cristal. Cada una tiene un nombre y unas características que la diferencian de las demás, pero las tres realizan el mismo gesto de pedir silencio con un dedo sobre sus labios.

La técnica de realización de la obra intenta imitar la estructura del lugar en el que está colocada, su transparencia. De ahí el nombre invisibles, pues si no sabes que las esculturas están ahí, no te habrías dado cuenta de su presencia, son casi tan transparentes como el cristal que las rodea. Así, escultura y arquitectura se integran perfectamente con la naturaleza presente a su alrededor.

OPINIÓN PERSONAL:

Personalmente, esta ha sido mi exposición favorita, porque me ha hecho reflexionar de la manera en que otras no lo han conseguido.

Creo que la obra tiene un significado casi poético. Son tres cabezas que se elevan, que flotan en un espacio transparente, etéreo. Están colocadas de una manera que casi te llama a que te coloques junto a ellas, y su petición de silencio con el dedo sobre los labios te invita a callar y observar.

El hecho de que en las fotografías que realicé apenas sean perceptibles, reafirma el nombre dado a la exposición. Son invisibles. Pero considero que esa era la intención del autor, colocar unas esculturas casi imperceptibles en un lugar casi transparente. Que las esculturas no fuesen las protagonistas, ni siquiera la arquitectura que las resguarda, sino la naturaleza en la que se integran.

La obra te pide que pares un momento ese trajín llamado vida, que silencies el mundo, y que simplemente observes la increíble maravilla de la naturaleza.

Esta es la interpretación que le he dado yo, y creo que cada persona ve la misma obra de una manera distinta. Esa es la belleza de esta obra, que inevitablemente llevas la mirada a lo que la rodea al ser tan imperceptible, le des la interpretación que le des.

Esto me ha llevado a muchas reflexiones sobre los problemas del mundo actual, como es la destrucción lenta pero definitiva de nuestro planeta, y con ello de su fauna y flora, algo tan importante en el parque del Retiro.

En resumen, he disfrutado viendo la exposición, porque no solo vi el trabajo de un artista, sino que observé con más detalle lo que tenemos delante pero ignoramos, los árboles, la naturaleza, y esa arquitectura tan impresionante del Palacio de Cristal (una de mis arquitecturas favoritas).

Exposición "Nosotros Robots".

24/11/18

-NOSOTROS ROBOTS- 

Espacio Fundación Telefónica

La exposición muestra diferentes robots o autómatas que se han ido construyendo e inventando a lo largo de la historia, y desde el principio los organiza con un orden específico.

Al principio de la exposición nos enseña una línea del tiempo donde se muestran desde los inicios, hasta los robots de hoy en día. A partir de ahí, se divide en cinco espacios: los orígenes y antepasados, cómo son y de qué se componen, relaciones emocionales con los humanos, su utilidad y las vivencias en la cultura.

La exposición quiere demostrar que no hay un futuro fatalista con los robots. Intenta cambiar nuestra forma de ver el futuro, uno en el que vemos que nos tendremos que enfrentar a los robots que nosotros mismos hemos creado.

Nos intenta mostrar las grandes utilidades que tienen y cómo podrían llegar a ser los ayudantes perfectos para realizar tareas que los humanos somos incapaces de hacer. Nos intenta hacer entender que es necesario que los robots entiendan las emociones para poder realizar los trabajos  más eficientemente.

Opinión personal:

Al inicio de la exposición, hay un robot con una pantalla entre los brazos en la que pone "¡Bienvenidos!". En un principio resulta algo muy inocente, pero de repente comienza a hablar. Amenaza a la humanidad, diciendo que llegará el día en que los robots se rebelen y que todos los mortales caeremos.

Soy una persona cinéfila, a la que le gusta la ciencia ficción, las distopías, etc. He visto cientos de películas en las que los robots, aparatos creados por los humanos, llegaban a tal nivel de complejidad que conseguían sentir, y terminaban rebelándose contra nosotros.

No soy una persona supersticiosa, pero si creo que algún día podríamos llegar a conseguir que los robots sientan, y ese día se darían cuenta de la esclavitud a la que les sometemos y se rebelarían, por esto, no es una de mis exposiciones favoritas.

Aunque sí es verdad, que algunos robots son muy útiles y estoy muy de acuerdo con su utilización. Como por ejemplo, el robot terapéutico con forma de foca, Paro, que se utiliza para tratar enfermedades como el alzheimer o la demencia senil. O los robots de las fábricas de serie que levantan toneladas de peso sin esfuerzo alguno. Sin embargo, el continuo esfuerzo por que los robots se parezcan a nosotros y sientan como nosotros me parece terrorífico.

Los humanos no somos una especie que yo querría imitar, somos una especie egoísta que poco a poco se está cargando su casa y la de miles de especies más. ¿Qué pasarían si hubiesen, además, robots que se pareciesen a nosotros? Entonces La Tierra se moriría el doble de rápido y  ya no habría arreglo (si es que lo hay ahora).

Me parecen increíble que un humano haya podido crear algo así. Que tengamos tal nivel de inteligencia que seamos capaces de crear entes que se mueven por sí solos, independientes (y no me refiero a los bebés), pero no estoy de acuerdo con el rumbo que estamos tomando en cuanto a estos entes.

Alcalá 31. Exposición.

27/10/18

SOSTENER EL INFINITO EN LA PALMA DE LA MANO
EUGENIO AMPUDIA

En esta exposición aparecen tres conceptos interrelacionados: el juego, el tiempo y el acto de dormir. La exposición tiene una doble finalidad. Primero, se hace una revisión de alguna de las obras más representativas del artista, y también se crea una nueva instalación para la sala Alcalá 31.

El tiempo,el juego y el acto de dormir se han abordado por separado en el arte y en la exposición se intenta enlazarlos. Así, nada más entrar se debe traspasar un laberinto de relojes (el infinito en la palma de la mano). Después hay un juego, una especie de Tetris con obras de las  vanguardias, en el que el visitante debe interactuar.

A los lados, las bibliotecas del artista, una con libros ardiendo, y otra con libros que tienen imágenes en movimiento.

El resto de la exposición son diferentes vídeos, algunos mostrando imágenes relacionadas con el arte fusionadas con otros temas, como Prado GP o  Museum and Space.

Por último en el piso de arriba hay una serie de vídeos en el que se muestra al mismo hombre durmiendo en distintos sitios con un saco rojo, y estos sitios han sido escogidos porque en ellos ha ocurrido algo importante en la historia, como puede ser el fusilamiento del 3 de mayo.

Opinión personal:

Personalmente, esta exposición me ha gustado mucho, por todo el significado que puede haber detrás de una sola de las obras que  hay. La primera que vi, y una de las que más llamó mi atención fue la estantería llena de libros de arte que ardían. Me pareció algo muy significativo, pues al igual que los libros durante la historia han sido censurados, y en ciertos países solo se permitía la lectura de libros de una ideología política concreta, ha habido una censura en el arte. El arte ha sido controlado por la iglesia durante demasiado tiempo, o sino, censurado por su contenido o incluso quemado.

No sé si el autor quería expresar esta idea, pero cada persona ve el arte y lo entiende de una manera distinta, y yo he entendido esta exposición como un reclamo, sobretodo en esta obra, y en la que aparecen unos jugadores de fútbol jugando con un libro como una pelota.

También me ha parecido muy interesante los relojes que marcan horas distintas, haciéndonos ver que el tiempo es algo que en realidad no existe. Es la hora que es porque alguien lo ha estipulado así, lo ha inventado,sin embargo podría ser otra hora, otro día, otro año, si otra persona hubiese dicho algo diferente. El infinito se nos escapa entre los dedos.

A pesar de no saber a qué se refería con el acto de dormir, si he visto cierta reivindicación con los sitios escogidos. El cuadro del fusilamiento del 3 de mayo (lo dice todo el nombre), San Pietro in Montorio (donde crucificaron a San Pedro), la nave donde estaría Arco, tan polémica durante los últimos años, etc.

Es una de las exposiciones que más me han gustad por el momento.

Exposición en el Prado.

04-10-18

Doce fotógrafos en el Museo del Prado.

Museo Nacional del Prado.

Durante el día jueves, mi compañera de piso y yo visitamos el Prado para ver la exposición obligatoria que había mandado María Jesús. En esta exposición, participan doce fotógrafos, los cuales son:

• José Manuel Ballester.
• Bleda y Rosa.
• Javier Campano.
• Joan Fontcuberta.
• Alberto García-Alix.
• Pierre Gonord.
• Chema Madoz.
• Cristina de Middel.
• Isabel Muñoz.
• Aitor Ortiz.
• Pilar Pequeño.
• Javier Vallhonrat.

La exposición nació gracias a la Fundación Amigos del Museo del Prado, la cual propuso a varios fotógrafos representar mediante su trabajo el Prado. Así, podemos ver desde fotografías de las mismas obras colgadas en las paredes del museo, hasta retratos de las personas que lo visitan.

La exposición es muy curiosa, porque se puede ver perfectamente cómo ve cada fotógrafo el museo, revisitando las obras de arte, pero también el edificio, lugares históricos, incluso personas.

Personalmente, mis obras favoritas fueron las de Isabel Muñoz, quien fotografió a bailarines profesionales bajo el agua, dejando la fotografía en blancos y negros, excepto los ropajes que cubren su desnudez. Esta obra apela a la ascensión, muy presenta en múltiples obras que se encuentra entre las cuatro paredes del museo.

El otro fotógrafo que más llamo mi atención fue Javier Vallhonrat, quien intercala una fotografía a ras de suelo de un paisaje cualquiera, con fotografías de los distintos paisajes que se pueden ver en los cuadros que se encuentran en el museo.

Por desgracia, no se podían realizar fotografías de las obras de la exposición (lo que también es perfectamente comprensible), por lo que no puedo hacer demostraciones visuales de las obras de las que hablo. Aun así, fue muy interesante e invito a verla mientras esté disponible.

3ª Exposición. Calle Dr Fourquet

Pepe Espaliú- En estos veinticinco años.

Galería García

Nace en Córdoba en 1955, en un entorno familiar relacionado con la joyería y la orfebrería. Estudia en la escuela de Artes y Oficios y en la Escuela de Bellas Artes de Sevilla.

                                                                                               

Inicia su trayectoria en los años setenta en Barcelona, con un arte conceptual. Será en los ochenta cuando comience a incluir en su obra los temas del cuerpo , la identidad, la enfermedad, el poder o la muerte. 

Serán fundamentales para su obra el clima de libertad de la ciudad catalana, y su contacto con los miembros de la revista Figura.

Después de su fallecimiento en 1993 debido al Sida, sus exposiciones fueron retrospectivas. Sin embargo, esta se propone ser una revisión actualizada de su legado, visibilizando los cambios producidos en el mundo artístico durante la década de los 80.

Opinión personal:

Personalmente, esta fue la exposición que menos me gustó de todas las que vimos. No entendía lo que quería transmitir el artista y, desgraciadamente, no estaba ahí para explicarlo. Además, las hojas explicativas no dejaban nada clara la intención de la exposición.

2ª Exposición. Calle Fourquet

13/09/18

HELENA ALMEIDA- Dentro de mim.

Galería Helga de Alvear

Helena Almeida es una artista portuguesa (1934, Lisboa), hija del escultor Leopoldo de Almeida. Inicia su trayectoria con escultura, trabajando como ayudante de su padre, más tarde toca la pintura, para, finalmente, a la década de los 70 dedicarse a la performance y la fotografía en blanco y negro.

Los temas que más le interesan, y que investiga a través de su creación son el espacio, el cuerpo, la casa, el ricón, el suelo, pero sobretodo, las emociones como manera de contar una historia.

Su nueva serie contienen una reflexión muy íntima del "yo", las emociones, insistiendo en el movimiento y la secuencia, e introduciendo la pintura en la imagen.

El escenario es siempre su estudio, donde actúa con su cuerpo y los objetos que la rodean, exponiendo su intimidad y transformándola en un sentimiento universal.

Su obra forma parte de grandes colecciones, como: el Art Institute Chicago (USA), Bibliothèque Nationa París, Tate Gallery Londres, MoMA Nueva York.

Opinión personal:

Personalmente, esta es la exposición que más me gustó de las tres que visitamos. 

Me encanta su manera de utilizar el blanco y negro para quitarle importancia a toda la información de la escena, excepto lo que está ocurriendo frente a nuestro ojos, haciendo que nuestra atención esté fijada en ello solamente. Además, la carencia de color hace que la escena esté mucho más llena de emociones de lo que podría estar a color, pues podríamos interpretarla como algo completamente diferente.

También me llama mucho la atención su manera de añadir ese rojo a algunas de las escenas. Un color que para cada persona interiormente significa una cosa distinta, convirtiendo así su trabajo, tan personal como es, en algo también propio del espectador.

Las emociones que representa en cada una de las fotografías, son las que ella siente, pero se convierten en algo universal, porque todos los humanos tenemos emociones y podemos vernos representados en cada una de esas imágenes. Porque nosotros también hemos sentido eso.

La fotografía que más e ha gustado ha sido una en la que aparece andando entre charcos de agua, en la calle, sola. También aquel en el que sale encogida, con las manos agarrotadas por esa sensación que le embarga por dentro, esa angustia que no se puede expresar con palabras. 

1ª Exposición. Calle Fourquet

13-9-18

Gabriela Betteni- Primavera silenciosa.

Galería Silvestre

La autora de esta exposición, Gabriela Betteni, lleva varios años investigando las primeras colonizaciones culturales en relación con sus herencias en el presente. Así, trabaja en la idea de la naturaleza como territorio colonizado y, en este estadio, se inscribe la mujer como paradigma de la violencia.

Se trata de una narrativa no lineal fruto de su propia investigación, indagando en las imágenes del artista barroco Frans Post. Recopila imágenes de paisajes actuales en los que se han cometido feminicidios, para dar así visibilidad y reconocimiento a aquellas mujeres que han defendido la causa medioambiental.

Trata temas como el ecofeminismo y el colonialismo, revelando la violencia que les acompaña como una sombra histórica, provocando que miremos más allá de sus pinturas y descubramos el asesinato.Así, nos hace conscientes de que el vacío y el silencio nunca son espacios neutros. Tampoco en la historia del arte.

Para comprender del todo su trabajo, hay que mirar sus puntos de partida, uno de los cuales es el libro escrito por Rachel Carson en los años sesenta. Este libro habla sobre el impacto ambiental, donde culpa a la industria y a la contaminación actual, haciendo incapié en los pesticidas. La escritora fue acusada falsamente de falta de rigor científico.

También hay que observar la serie de grabados de María Sibylla Merian(s.XVIII), que revolucionó la manera de mirar hacia la naturaleza sudamericana.

Opinión personal:

De las tres exposiciones que visitamos ese Sábado, no fue mi favorita. Sin embargo, admiro su manera de involucrarse en algo tan importante y tan actual como es el medio ambiente y la contaminación, de tal manera que se refleje la historia de la naturaleza, y también la de las mujeres. 

Me encanta su manera de comparar la destrucción de la naturaleza con la manera en la que las mujeres también hemos intentado ser aplastadas a lo largo de la historia.

A mi parecer, es una exposición algo complicada de comprender si no tienes una "chuleta" en papel, o si no está la artista delante (sobretodo si eres una estudiante de primer año que carece de experiencia en cuanto a la interpretación de obras). 

Aun así, al poder leer algo que me dijese de dónde habían salido sus ideas, y qué intenta contar mediante esos colores tan vibrantes y esas hojas tan realistas, he podido valorar muchísimo más su trabajo. Y no me refiero a la técnica, que considero en esta exposición no es importante, sino en el mensaje que quiere compartir. 

a pesar de todo, debo de decir que su manera realista de representar las plantas fue una de las cosas que más me gustó.